Precisión y expresividad
La obra de Jesus M. Redruello
Por: Ángel Alonso
«El arte es una conquista del silencio interior que lleva al diálogo con uno mismo»
Wassily Kandinsky
Durante el desarrollo de la historia del arte, hemos asistido a una constante evolución en la representación de la realidad. Desde las simplificadas —y a menudo poseedoras de un gran poder de síntesis— figuras de la prehistoria, hasta la precisión del clasicismo, la práctica artística ha sido un reflejo de la sociedad; de la relación dinámica y cambiante entre el ser humano y el mundo que lo rodea. En el Siglo XX, la abstracción emerge como una ruptura con la tradición figurativa, rompiendo con la necesidad de imitar la realidad. Redruello, en su práctica artística, parece dialogar con estas dos vertientes, creando un puente entre la abstracción y la figuración .
La obra de Redruello se presenta como un enigma visual que desafía la percepción del espectador. Sus creaciones invitan a una contemplación profunda donde la naturaleza y el arte se entrelazan en una danza de formas y colores; esto es posible precisamente porque oscilan entre la abstracción y la figuración. El artista captura la esencia del mundo natural a través de un muy personal tratamiento del color y la línea.
Cuando las figuras en la obra de Redruello no son inmediatamente reconocibles, nos sumergimos en un ambiente en el que se respira el mundo natural; hay algo de biomorfismo en su obra, aquella corriente en la que los artistas utilizaban formas fluidas que guardaban similitud con organismos unicelulares, plantas, animales… Este estilo buscaba imitar los procesos biológicos y el crecimiento natural, creando composiciones que parecían estar vivas y en constante movimiento.
Watercolor & pencil on paper
(12″x 16″)
Jean Arp, Joan Miró o Henry Moore han explorado este estilo a través de esculturas, pinturas y dibujos. Redruello también busca explorar la conexión entre la naturaleza y el arte; realzando la belleza y la complejidad de las formas orgánicas nos exhorta a encontrar significados más allá de lo evidente. Él sabe que la pretendida forma pura, que pretendían los artistas concretos, no pasó de ser una utopía, ya que es imposible desconectarnos del mundo que nos circunda. Por muy abstractas que parezcan las formas, siempre subyace en ellas la referencia al mundo real. Jesús aprovecha esta libertad para sugerir, más que para definir, la presencia de elementos naturales en sus obras.
Por otro lado, cuando el artista nos presenta una figura claramente definida, como una flor, no estamos ante una simple representación. Sus pétalos, aunque reconocibles, llevan consigo la energía y el dinamismo del dripping, técnica popularizada por Jackson Pollock, que consistía en dejar caer pintura sobre el lienzo de forma espontánea. Hay en las líneas que bordean los planos de color una reminiscencia del action paingting, pues parecen dibujadas con los chorros de una jeringuilla en vez de un pincel. Hay en estas líneas un movimiento danzante lleno de energía y vitalidad. La libertad expresiva que contienen sus cuadros, trasciende la mera imagen y hace emanar de ellos una sensación de fluidez; son obras acuosas y frescas, que parecen no haberse secado nunca.
Resalta especialmente, la manera en que elabora sutiles juegos de luz y sombra en los márgenes de las áreas coloreadas, provocando una percepción de profundidad, brindando a las formas —por momentos un tanto geométricas, pero sin llegar a serlo del todo— una impresionante ilusión de tridimensionalidad. En ocasiones ejecuta sutiles claroscuros hacia los bordes de los planos de color que producen un efecto volumétrico, acolchado, que rememoran las esculturas de tela y otros materiales blandos. Este recurso crea una sensación táctil ante los ojos del espectador que despierta el deseo de tocar las obras, pues aunque sabemos que son pinturas planas parecen tener el relieve de los cuadros matéricos .
La obra de este artista se caracteriza por una precisión y expresividad que atrapa la atención del público. Sus pinturas, frecuentemente plasmadas en cartulina o papel, reflejan una técnica impecable y un control medido que pone de manifiesto su habilidad y sinceridad, evitando cualquier exceso de pomposidad. En sus propios términos, su arte es una manifestación de intimismo y esmero, que prescinde deliberadamente de formatos extensos. Esta sencillez facilita un diálogo más íntimo y directo con quienes observan su trabajo.
Redruello nos ofrece una obra que es tanto un homenaje a la historia del arte como una exploración personal de la expresión artística. Al transitar entre la abstracción y la figuración, nos invita a participar en un diálogo visual donde cada observador puede encontrar su propio significado. En última instancia, nuestro artista nos recuerda que el arte es un reflejo de la vida: complejo, multifacético y eternamente fascinante.
Precision and expressiveness
The work of Jesus M. Redruello
By: Angel Alonso
“Art is a conquest of the inner silence that leads to dialogue with oneself.”
Wassily Kandinsky
During the development of art history, we have witnessed a constant evolution in the representation of reality. From the simplified ones–and often possessing a great power of synthesis– figures from prehistory, to the precision of classicism, artistic practice has been a reflection of society; of the dynamic and changing relationship between human beings and the world around them. In the 20th century, abstraction emerged as a break with the figurative tradition, breaking with the need to imitate reality. Redruello, in his artistic practice, seems to dialogue with these two aspects, creating a bridge between abstraction and figuration. Redruello’s work is presented as a visual enigma that challenges the viewer’s perception. His creations invite a deep contemplation where nature and art intertwine in a dance of shapes and colors; this is possible precisely because they oscillate between abstraction and figuration. The artist captures the essence of the natural world through a very personal treatment of color and line.
When the figures in Redruello’s work are not immediately recognizable, we immerse ourselves in an environment in which we breathe the natural world; there is some “blomorphism” in his work, that trend in which artists used fluid forms that were similar to single-celled organisms, plants, animals… This style sought to imitate biological processes and natural growth, creating compositions that appeared to be alive and in constant movement.
Acrylic and ink on cardboard
(18″x 30″)
Jean Arp, Joan Miró and Henry Moore have explored this style through sculptures, paintings and drawings. Redruello also seeks to explore the connection between nature and art; enhancing the beauty and complexity of organic forms, it exhorts us to find meanings beyond the obvious. He knows that the purported pure form, that specific artists intended, is nothing more than a utopia, since it is impossible to disconnect from the world around us. No matter how abstract the shapes may seem, there is always a reference to the real world underlying them. Jesús takes advantage of this freedom to suggest, rather than define, the presence of natural elements in his works.
On the other hand, when the artist presents us with a clearly defined figure, such as a flower, we are not dealing with a simple representation. Its petals, although recognizable, carry with them the energy and dynamism of dripping, a technique made popular by Jackson Pollock, which consisted of spontaneously dropping paint on the canvas. There is, in the lines that border the color planes, a reminiscence of action painting, since they seem to be drawn with the jets of a syringe instead of a brush. There is in these lines a dancing movement full of energy and vitality. The expressive freedom contained in his paintings transcends the mere image and makes a sensation of fluidity emanate from them; they are watery and fresh works, which seem to have never dried.
Particularly noteworthy is the way in which he creates subtle plays of light and shadow on the margins of the colored areas, provoking a perception of depth, giving the shapes – at times somewhat geometric, but without becoming so at all – an impressive illusion of three-dimensionality. Sometimes he executes subtle “claroscuros” towards the edges of the color planes that produce a volumetric, quilted effect, reminiscent of sculptures made of fabric and other soft materials. This resource creates a tactile sensation in the viewer’s eyes that awakens the desire to touch the works, because although we know that they are flat paintings, they seem to have the relief of material paintings. This artist’s work is characterized by a precision and expressiveness that captures the public’s attention. His paintings, frequently captured on cardboard or paper, reflect impeccable technique and measured control that demonstrate his skill and sincerity, avoiding any excess of pomposity. In his own terms, his art is a manifestation of intimacy and dedication, which deliberately dispenses with extensive formats. This simplicity facilitates a more intimate and direct dialogue with those who observe his work.
Redruello offers us a work that is both a tribute to the history of art and a personal exploration of artistic expression. By moving between abstraction and figuration, it invites us to participate in a visual dialogue where each observer can find their own meaning. Ultimately, our artist reminds us that art is a reflection of life: complex, multifaceted and eternally fascinating.